viernes, 21 de agosto de 2015

el cuerpo es sensaciones... / entrevista a Sheila Ribeiro en la diaria




Ambientes con tonus



El cuerpo son sensaciones de gente por ahí



Diálogo con Sheila Ribeiro sobre cuerpos, culturas y la calle en la contemporaneidad



Sheila Ribeiro se autodefine como artista interesada por las dinámicas de comunicación contemporánea. Explora ilusión, deseo, dislocamiento y cuerpo poetizando tensiones estético-políticas de las culturas a través de conceptos, eventos, coreografías, instalaciones, audiovisuales, psico-esculturas y arte web.



Aunque según Sheila, Dona Orpheline ya no existe más, ha sido por muchos años su “heterónimo transitivo y zona de colaboración”, y el paraguas bajo el que ha trabajado en tránsito entre países como Brasil, Canadá, China, el Líbano y Europa, desarrollando un lenguaje artístico transcultural. 15 años atrás su trabajo se orientó hacia la cultura digital y el cuerpo, interesándose por discutir sus conceptos actuales yendo más allá de las posibilidades tecnológicas en sí.



Sus páginas web ( http://sheilaribeiro.net/ y http://chamandoela.com/ ) son encaradas más como obras de arte en sí que como meros portales informativos, dándonos pistas de que no hay disociación entre los planos virtual y presencial de su trabajo. Ribeiro colabora con artistas de la danza pero también de la fotografía, la moda, la comunicación, las ciencias sociales, la tecnología, siendo Massimo Canevacci no sólo su esposo sino una importante influencia en su trabajo y pensamiento. Otros colaboradores cercanos son Bénoit Lachambre, Wagner Schwartz, Sophie Deraspe, Cristian Duarte. En cuanto a su carrera académica Ribeiro recibió el pasado año el título de doctora en Comunicación y Semiótica de la Universidad Católica de Sao Paulo, siendo “cuerpo, metrópolis/líbido y confusión” o la tensión entre lo analógico y digital en la comunicación contemporánea sus principales líneas de investigación. La artista es también la creadora y articuladora inicial (aunque ya no lo integra) de un proyecto editorial llamado 7x7 (seteporsete.net)   - que yo misma integro desde el 2013 junto a 6 artistas brasileros - y cuyo objetivo es crear horizontalidad a través de modos diversos de compartir reverberaciones en diferentes formatos (textos, videos, imágenes), como una gran wikipedia de la danza contemporánea que pueda quebrar la verticalización de lo oficial (y de sus parámetros de legitimación o deslegitimación).  



A Montevideo Sheila vino con dos planes. Por un lado realizar un taller en el Instituto Nacional de Artes Escénicas titulado “Encuentro y creación” de duración de 5 días. Por otro compartir junto al Programa de Residencias PAR - que a cargo de Vera Garat y Tamara Gómez lleva adelante una enérgica gestión posibilitando residencias e intercambios entre artistas extranjeros y el medio uruguayo - y a un grupo interdisciplinario de artistas convocados para la ocasión, un espacio de creación junto a  su “compañía de conceptos”Chamando Ela, obra en proceso y de larga duración que Ribeiro desarrolla junto a los fotógrafos Lima y Meirelles.



En relación a su trabajo Ribeiro señala que “cruza tensiones de cuatro intereses principales: moda, cultura digital, salud mental y danza. Y en ellas yo propongo intimidad con el supuesto “mundo de los otros que también es el mío”. Para la artista estos cuatro ejes son zonas de poder: “entro en ellos, estoy en ellos, para entenderlos y dislocarlos, reproponiendo otros mundos, un deseo de compartir posibilidades de complejidad, de intimidad y de broma”.



El humor y la sexualidad son otros ingredientes presentes en sus trabajos, tanto los desarrollados individual como conectivamente. Conversamos con la artista sobre cómo entiende y explora estos intereses, cuya relación no es ni evidente ni frecuente.  



La MODA como líbido (querer que te guste vivir), estar en la ciudad - en la calle o en la web - más allá de cualquier frontera que delimita “áreas” (geográficas, culturales). Veo la MODA como propuesta de invención de mundos, un “viento en el cabello” de la comunicación individual, colectiva y conectiva.”



A la cultura DIGITAL la veo como un idioma, el “verdadero” esperanto. Lengua inventada que es diálogo, construcción, creación, dependencia, resistencia, todo lo que es transformación y entendimiento y posición sobre el capitalismo glocal. Por eso me gusta acompañar su evolución. No hay nada ni nadie que no haya sido afectado por la lógica digital (sea que le guste o que la deteste o que piense que solamente la usa). Lo digital es una cosa que cambia todo el tiempo, es mejor entenderlo. La danza siempre fue parte de mi vida, de muy temprano-chica fui bailarina de “país colonial”, tengo un trabajo de coreógrafa contemporánea que pasó por muchas etapas, lugares, personas, llegando finalmente en la descreencia total de muchos formatos.”



Respecto a la relación entre cuerpo y cultura digital la artista entiende que “El cuerpo transpira todo de una cultura, por todos los poros: la cultura turística, la de los medios, la de las instituciones… la danza es un ambiente de tensión, de protección, de clichés, de pérdida de todos ellos: un síntoma:”



Interesada en el poder y el colonialismo (y en el autocolonialismo) el abordaje de Sheila respecto a la salud mental es político más que terapéutico. Según la brasilera-canadiense “La salud MENTAL es una lucha, y como todos los otros ejes, entender la cuestión de la locura es entender la cuestión de la exclusión y de la inclusión de valores vigentes de comportamiento y normalidad.”



Sobre por qué le ha interesado trabajar fuera de su país e incluso fuera del circuito mainstream de la danza, Ribeiro responde con una anécdota que entrecruza lo personal con lo político, develando su mirada sobre los circuitos de circulación y producción del arte contemporáneo: “Yo trabajé durante 8 años en la compañía del coreógrafo canadiense Benoit Lachambre y con él, entendí la dinámica de estar en festivales, de ir a fiestas, de leer artículos sobre legitimidad, pertinencia, amor y desamor de nuestras propuestas. Un día, uno de los artistas murió atropellado y yo entendí que, si hubiera sido yo, habría preferido vivir otras cosas.”



Sheila fue bailarina de danza del vientre y participó del movimiento haker de fines de los 90s, es decir, un perfil difícil de clasificar y que en su compleja diversidad nos hace entender porque afirma enfáticamente que “odia que la etiqueten” con rótulos finalistas tipo “coreógrafa” o “académica”. Al preguntarle qué búsquedas y que hallazgos, dan fuerza y motivación a su trabajo, ella responde: “Encuentro el lujo de continuar buscando y de enfocarme en observar la búsqueda de los otros”. Al mismo tiempo Sheila duda sobre si considera o no su trabajo como “político” argumentando que “...la política cambió. La política no es más la “polis”, ciudad analógica. Para mi, la “política” es estar atravesada en y por la comunicación. Si consideras eso político, entonces mi trabajo es político.”



Al aludir al reciente vigésimo aniversario de su trayectoria como creadora le preguntamos cómo describiría las transformaciones que su trabajo ha tenido desde el inicio hasta ahora: “Antes yo tenía una motivación en denuncia y crítica, muy fuerte. Hoy, me parece que esa forma de hacer arte pertenece a solamente un grupo. Yo quiero pertenecer a todo y todos y a nada y a nadie. Mi trabajo propone lo incompleto a ser completado/llenado.”



Al preguntarle sobre cómo piensa en el cuerpo en la contemporaneidad y sobre cómo una artista de “la danza” acabó por trabajar desde el concepto de cultura digital, Sheila dice:No puedo responder sobre lo que sucede con “el cuerpo en la contemporaneidad” porque no creo que exista ni “un cuerpo” ni “una contemporaneidad”. Lo que existen, para mi, son personas viviendo entre tensiones de lugares y medios, haciendo sus cosas, o intentando. Muy pronto, existen maneras de encuadrar trabajos, acciones y formas de vivir (el “cuerpo” en las instituciones para las artes, en los manicomios, en facebook) y es eso lo que sucede con “el cuerpo y la contemporaneidad”. El cuerpo para mi no existe por sí solo. O aún más “el cuerpo” son historias y sensaciones de gente por ahí. Algunos matan, otros quieren vivir - a veces muy escondidos y tranquilos (por pereza o resistencia) y a veces muy narcisistas (por pereza o resistencia). Así tenemos la slow-food y Estado Islámico en 2015. La danza digiere de manera abstracta los ambientes y tal vez yo llamo eso de cuerpo: ¿contextos con tonus?. Más específicamente, vengo trabajando con la lógica de lo digital: navegar, invadir, el  spam, el virus, la auto y heterorepresentación, los vectores, lo fake.”



Sheila lleva en Montevideo más de 10 días - ciudad que visita por segunda vez -  y describe algunas cosas que ha oído y le llaman la atención: que el asesinato de Khalad al-Assad en Siria y el Nadia Vera en México necesitan ser pensadas como cosas uruguayas; que la mandarina tiene un olor fuerte a ser evitado por un tipo de clase media; que vivir en un balneario puede ser una forma de resistencia; que existe tango flúor del nuevo uruguayo”.  Y sobre lo que piensa de todo esto responde “el sábado en el EAC se presenta Chamando Ela, trío en el que yo participo con Tiago Lima y Joao Meirelles, y ahí vamos a presentar lo que nos llamó la atención.“.



Chamando ela trabaja en un espacio liminal entre moda, cuerpo, danza, comunicación y culturas. De esta forma disloca, cambia, juega, invierte, recrea y revierte padrones, abriendo nuevas perspectivas y posibilidades. Hace investigación - casi etnográfica- y la transforma en otras modas posibles, nuevas mitologías contemporáneas de cuerpos.



En su divulgación Chamando Ela,  es descrito como “un hub de delicias para un mundo que ya no se sabe lo que es. Dependiendo la instancia y la necesidad, puede ser intervención, performance, instalación, exposición, publicidad, música, libro, espectáculo... pero siempre cuerpo, siempre moda expandida”. La invitación al cierre de la residencia y presentación de proyecto y del libro homónimo es abierta y queda extendida para el Sábado 22 de agosto a las 19hs en el Espacio de Arte Contemporáneo (EAC).








viernes, 14 de agosto de 2015

sobre Episodios Nocturnos Coreográficos del BNS en la diaria








hecho a.k.a
nocturno heredado

1835: en Noviembre y algunos meses después de la creación de la primer compañía nacional estable de danza clásica bajo la institución del SODRE, el BNS presenta su primer espectáculo cuya dirección artística es realizada por el maestro Alberto Pouyanne, quien pone en escena el ballet “Nocturno Nativo” sobre música de Vicente Ascone y el poema homónimo de Víctor Perez Petit, que vinculado a la poesía gauchesca fue usado como base para la dramaturgia

2015: concretando un proyecto ideado por su director Julio Bocca hace algunos años, el BNS presenta una creación original y basada en la pieza que marcara el inicio de los 80 años de heterogénea historia institucional y escénica.

Con la libertad de una re-creación y de la mano del coreógrafo Martín Inthamoussú y la composición del músico Juan Campodónico, el espectáculo “Nocturno” hace alusión a este pasado desde una mirada contemporánea y volcada hacia el futuro. Además de “Nocturno”, otros dos estrenos y duetos conforman el programa que estrena hoy (si sale el viernes) y se presenta hasta el 23 de Agosto bajo el título “Nocturnos Nativos Coreográficos”: “Episodios sobre un mismo tema”, compuesto por Andrea Salazar y Luciano Supervielle, y “One and Others” a cargo del argentino Demis Volpi y el griego Christos Hatzis, dupla que introduce un aporte internacional a esta (a)puesta por lo “propio”.

Hecho acá?
Aunque casi todos conocemos nombres como los de Petipa, Nijinsky, Fokine, Stravinsky o Debussy, es muy probable que no hayamos oído hablar de los artistas que trabajaron para aquel estreno del 23 de noviembre de 1835. Esto da cuenta del escaso conocimiento y valoración de autores nacionales más allá de los 2 o 3 nombres que han trascendido en la no muy explorada historia de la música y danza nacional.

La propuesta del BNS para conmemorar sus 80 años de vida y de su primera creación es recuperar por un lado la pregunta que dio lugar a la creación del “Nocturno Nativo” de 1835 - ¿qué es lo uruguayo? - y por otro traducir las implicaciones de dicha pregunta a la contemporaneidad, teniendo en cuenta no sólo la historia nacional sino también la institucional y la de la propia danza como arte.

Un aspecto a señalar es que las obras fueron creadas desde un estrecho diálogo entre música y coreografía, emulando el modo en que ballets de la época eran creados en Europa; es decir a partir del trabajo conjunto entre coreógrafo y compositor y en la búsqueda de una simbiosis entre ambas partituras.
NNC apela en palabras de sus creadores, al lenguaje de la danza contemporánea, integrando elementos de la danza moderna y del ballet. La re-creación de “Nocturno Nativo” es de este modo realizada desde las miradas singulares de los coreógrafos y compositores convocados respecto a dicho pasado, así como también desde la exploración del tema de lo “nativo” y de lo “uruguayo”, desde técnicas dancísticas nacidas en Europa.

Este hecho ya aporta una pista para la pregunta de la que parte el espectáculo, llevándonos a percibir que la pregunta por el “origen” o la “verdadera raíz” no puede desestimar el carácter híbrido y contaminado que desde el inicio de sus días, la “identidad uruguaya” ha tenido.

Con una larga trayectoria, formación y reconocimiento internacional y nacional, el coreógrafo Martín Inthamoussú viene explorando el tema y la pregunta por “lo uruguayo” en creaciones anteriores como “Auslander” (2008), “Extranjeros” (2011), “Cual Retazo de mi cielo” (1) (2013). Al mismo tiempo tiene como antecedente de trabajo con la compañía estatal la creación de “Tres Hologramas”, compuesta junto a Jorge Drexler y estrenada en el 2012 (2).

En relación con el estreno de hoy, Inthamoussú dijo a la diaria que “El proceso real comenzó en 2013 junto a un equipo compuesto por Juan Campodónico en la música, Pablo Giménez en el vestuario, Gabriel Calderón en la dramaturgia y Vero Loza en los audiovisuales. Para llegar a NOCTURNO, recreamos el proceso de trabajo del 35. Partimos de un poema, el de (Gabriel) Calderón en vez de Perez Petit para crear una música, la de Campodónico en vez de Ascone que inspire una coreografía bajo mi firma en vez de Pouyanne.”

Para el caso de “Nocturno” que es la única obra del programa que revisita una obra anterior Inthamoussú nos contó que “tuvimos ese punto de partida pero en diálogo con el lenguaje contemporáneo. Definimos nuestro trabajo como un ballet contemporáneo con todos los elementos estructurales de la danza clásica y la danza contemporánea en un vínculo dialógico que intente reflejar aquel espíritu de lo nativo enfrentado a la urbanidad. La pregunta de aquellos creadores de ver lo nativo desde la ciudad sigue presente en nosotros pero ahora desde otro lenguaje y con nuevas preguntas e inquietudes.”

En relación al aniversario y a la propuesta e invitación que extiende el BNS, el artista y actual director de la Escuela Nacional de Danza afirma que “La apuesta de Julio (Bocca) a la producción nacional es muy importante en este momento de la compañía. Con casi 80 bailarines de todas partes del mundo potenciar a creadores locales es un paso importante en el sustento de una identidad coreográfica para el ballet contemporáneo. El BNS es lo nuevo en muchos aspectos, cinco años de gestión ha reinterpretado al ballet sin olvidarse de 80 años de historia. Coreógrafos como Domingo Vera, Florencia Varela, Graciela Figueroa, Eduardo Ramirez o el mismo Pouyanne han pasado por esta compañía con historias mucho más ricas de las que se conocen. Potenciar esto como tradición en diálogo con la innovación y basado en su totalidad en creadores uruguayos (luz, vestuario, talleres, sonido, música, coreografía, tramoya, y cada detalle de la compañía) es reconocer la grandeza de nuestros artistas y el compromiso desde lo local hacia lo global.”

En el trailer del espectáculo se nos advierte que no esperemos ver un ballet del 1800 mientras que Campodónico relata el modo en que la creación de la música para “Nocturno” fue realizada observando la naturaleza y el medio rural uruguayo y empleando elementos tomados de allí como el sonido de ramas o de pájaros. En el mismo video se presentan fragmentos de entrevistas y en ellas se nos cuenta que la obra trata sobre el viaje de personajes que “pueden ser vos, yo o cualquier persona” y que parten en busca de la parte más “nativa” de cada uno, dejando atrás lo urbano. Inthamoussú afirma que entiende lo nativo como “la parte más pura del ser humano. Es el viaje que nosotros creemos a partir de toda esta investigación que todos los seres humanos hacemos en algún momento de nuestra vida y volvemos a la raíz de lo que realmente somos llevado a la metáfora de lo urbano versus lo nativo”.

De esta forma, la creación parte de la metáfora que plantea a lo rural como representante de una vida más pura y en contacto con las verdaderas raíces, y a lo urbano como síntoma de la vida moderna y el desarraigo.

Esta fórmula que es problemática en cuanto reproduce la conceptualización de lo rural como un medio anclado en el pasado y romantizado por una ideología del “origen” a la que le es funcional, es discutible también como punto de partida para pensar “lo uruguayo”. Más si tenemos en cuenta que en Uruguay el folklore también es fruto del encuentro entre lo “propio” y lo “foráneo”, si es que dichas categorías significan algo hoy.

Si revisamos su historia, el BNS es una de las instituciones culturales que da cuenta de cómo la cultura nacional se funda sobre referencias y lenguajes estéticos europeos y del modo en que la dicotomía campo-ciudad ha derivado en una bipolaridad de la identidad uruguaya que se afirma alternativamente en su perfil europeo y civilizado o en sus aspectos rurales folklóricos según convenga a la ocasión y al sujeto.

Si observamos que el folklore uruguayo nace precisamente del encuentro entre lo nativo y lo europeo durante el proceso de colonización (excluyendo por otra parte la influencia de culturas indígenas y sustituyendo ese espacio con la figura de “el gaucho”), la dicotomía que plantea Inthamoussú se organiza sobre un pensamiento que vale la pena reflexionar. Porque quizás los problemas que rodean a la pregunta “¿qué es lo verdaderamente uruguayo?”, no están tanto en sus posibles respuestas sino en la propia lógica que da forma a la interrogante.
Veremos cómo la resuelve y cómo la danza el espectáculo-trilogía al que nos invita el BNS en su octogenario aniversario que celebra con ánimos de “más jóven que nunca”.













miércoles, 12 de agosto de 2015

Mensagem da comunidade artística do México

   Cidade do México, 10 de agosto de 2015

À comunidade artística internacional
Hermana mía te encuentro en el viento”
(Irmã, te encontro no vento)

Estamos profundamente chocados, machucados e irritados com a tortura e assassinato de Yesenia, Alejandra, Mile, Nadia e Rubén, em um apartamento na região central da Cidade do Méximo, no último dia 31 de julho de 2015. Este não é um caso isolado e ilustra o agravamento da violência que atravessa o país. A matemática do terror que vivemos coloca todos os dias mais vítimas na casa do milhar: pessoas são assassinadas (aproximadamente 160.000 desde 2007), desaparecem (entre 26.000 e 40.000), são estupradas e abusadas inconsequentemente de todos os modos horríveis. Existe um pacto de impunidade assinado por aqueles que mantêm nosso governo refém de seus interesses. O neoliberalismo chegou a sua forma mais pura de crueldade em uma situação como essa. Os corpos somente valem enquanto bens. O ultraje que sentimos é muito forte e as estratégias para encarar os fatos são ainda desconhecidas.

Uma das vítimas, Nadia Dominique Vera Pérez, era bem conhecida por muitos de nós, ela era nossa colega porque trabalhava como produtora e promotora cultural. Ela produziu o Festival Internacional de Dança Cuatro X Cuatro na cidade de Xalapa, Veracruz, fundamental para a promoção e desenvolvimento da dança mexicana. Entre outras coisas, ela também produziu o Festival de Cinema Oftálmica na mesma cidade e estava organizando recentemente a turnê do músico espanhol Albert Plá.
Como antropóloga, Nadia acreditava veementemente no potencial das artes para a transformação social e agia de acordo para tal. Nadia também praticou uma intensa atividade política relacionada aos interesses dos direitos humanos e à liberdade de expressão, contra as injustiças de um governo opressor e em solidariedade às vítimas, a morte e o desaparecimento de nosso país. Mais de uma vez, Nadia expressou seu medo: ela se sentiu vigiada, marcada. Mais de uma vez, ela foi ameaçada, devido ao seu ativismo político dentro do estado de Veracruz.

Consideramos muito importante difundir o conhecimento de seu trabalho e vida, falar sobre ela, destacar sua identidade, para além de sua fotografia com o corpo machucado. Ao menos trazer seu nome, para pensar e enfatizar a seriedade desses fatos inaceitáveis os quais sentimos nos cercar.
Também foi assassinado Rubén Espinosa. Ele era fotojornalista, especializado em movimentos sociais, mas também em linguagens artísticas. Amigo de Nadia, fotógrafo do Festival Cuatro X Cuatro, foi ameaçado de morte pelo governo de Veracruz.

É de igual importância mencionar Yesenia Quiroz Alfaro, Mile Virginia Martin e Alejandra Olivia Negrete. Infelizmente, embora saibamos muito pouco a respeito deles e por mais que os nomeemos, não devemos esquecer que eles eram seres humanos, vidas valiosas, que tinham amigos, famílias, planos, personalidades e histórias.

Precisamos de sua ajuda e de sua colaboração. Precisamos do mundo inteiro para falar sobre isso, porque é algo que não pode continuar acontecendo. Nós moramos em um México em que mais de 90% dos crimes não são punidos, em que o estado de violência é exercitado de um modo cínico todos os dias, em que a noção de justiça parece ser inacessível nela mesma. Nosso país está desmoronando, a violência torna-se pior e corremos risco todos os dias. Nadia era um elemento fundamental para a arte no México, para a dança e como membros de uma comunidade internacional que tem a intenção de ser reflexiva, sensível e crítica, acreditamos que estamos nisso juntos. Não importa se a conhecíamos ou não, se tínhamos interesses estéticos semelhantes ou não, se somos mexicanos ou não, um membro de nossa comunidade foi torturada e assassinada em um estado falido. A morte de Nadia interessa à comunidade artística de todo o mundo. Interessa a todos nós. A pressão internacional é um dos poucos mecanismos de proteção eficiente. Convidamos vocês a se pronunciarem conosco e uma vez que muitos de vocês dançam, discursam, escrevem, filmam, se apresentam, pedimos que peguem um momento durante suas apresentações para falar sobre os cinco. Achamos que é importante falar sobre isso em espaços abertos, a fim de direcionar uma troca afetiva.
Para aqueles que se foram, mas também para aqueles que permanecem. Nunca mais . Ni Nadia Ni Nadie. (Nem Nadia, nem ninguém mais).

Membros da comunidade artística mexicana

https://soundcloud.com/somosnadia/somos-nadia
https://vimeo.com/121804006

Video de Nadia Vera sobre Javier Duarte AQUÍ





martes, 11 de agosto de 2015

Message from Members of the Mexican art community

Mexico City,
August 10, 2015 
To the international arts community: 


"Hermana mía te encuentro en el viento" 
(Sister, in the wind I find you) 

We are deeply shocked, hurt and angry about the torture and murder of Yesenia, Alejandra, Mile, Nadia and Rubén, in an apartment in the central area of Mexico City, this last July 31, 2015. This is not an isolated case, and it illustrates the escalation of violence across the country. The mathematics of terror under which we live add more victims everyday to the already thousands; people are murdered (close to 160,000 since 2007), disappeared (between 26,000 a 40,000), raped and abused in all kinds of horrifying ways without consequence. 

There is a pact of impunity signed by those who hold our government hostage of their interests. Neoliberalism has come to its purest form of cruelty in a situation like this. Bodies only matter as assets. The outrage we feel is very strong, and the strategies to face the facts are yet unknown. 

One of the victims, Nadia Dominique Vera Pérez was well known to many of us, she was our colleague because of her work as a producer and cultural promoter. She produced the Cuatro X Cuatro International Dance Festival in the city of Xalapa, Veracruz, crucial for the promotion and development of Mexican dance. Among other things, she also produced Oftálmica Film Festival in the same city, and was recently organizing the Mexican tour of Spanish musician Albert Plá. 

As an anthropologist, Nadia strongly believed in the arts potential for social transformation, and acted accordingly. Nadia practiced as well a strenuous political activity on behalf of human rights and freedom of expression, against the injustices of an oppressing government, and in solidarity with the victims, the dead and the disappeared of our country. 

More than once, Nadia expressed her fear: she felt watched, marked. More than once she was threatened because of her political activism inside the state of Veracruz. We find it very important to spread knowledge of her work and life, to talk about her, to highlight her identity, farther than just her picture or the idea of her broken body. To at least name her... to think her and to emphasize the seriousness of these unacceptable facts we feel so close to. 

Rubén Espinoza was murdered too. He was a photojournalist, specialized in social movements but also in artistic expressions. Nadia’s friend, photographer of the Cuatro X Cuatro Festival, threatened with death by the government of Veracruz. 

It is just as important to mention Yesenia Quiroz Alfaro, Mile Virginia Martín and Alejandra Olivia Negrete. Although unfortunately we know very little about them, and so far we can only name them, we must not forget they were human beings; precious lives with friends, families, plans, personalities and histories.

We need your help and your collaboration. We need the entire world to talk about this, because it just cannot keep going on. We live in a Mexico in which more than 90% of crimes are left unpunished, in which state violence is exercised more cynically every time, in which the notion of justice itself seems to be inaccessible. Our country is falling apart, violence gets worse, and we are subject to a greater danger every day. Nadia was a fundamental element for art in Mexico, for dance, and as members of an international community that intends to be reflexive, sensitive and critical, we believe that we are in this together. 

No matter if we met her or not, if we had similar aesthetic interests or not, if we are mexican or not, a member of our community has been tortured and murdered in a failed state. 

Nadia’s death concerns the art community all over the world. It concerns us all. International pressure is one of the few effective protection mechanisms. We ask you to speak out with us, and since many of you perform, speak, write, screen, show... we ask you to take a moment during your presentations to talk about the five. 

We think that it is important to talk about this in spaces open to direct affective exchange. For those who are gone, but also for those of us who stay. 

Never again. Ni Nadia Ni Nadie. (Neither Nadia nor anybody else). 

Members of the Mexican art community 


https://soundcloud.com/somosnadia/somos-nadia 
https://vimeo.com/121804006

Video con mensaje de Nadia Vera sobre Javier Duarte AQUÍ


miércoles, 5 de agosto de 2015

NADIA VERA (1983-2015)





Conocí a Nadia virtualmente y como productora del Festival 4x4, iniciativa independiente que con mucho esfuerzo los hermanos Vera (Shanti, Nadia, Sendic) y otros colaboradores llevan a cabo hace años en la ciudad de Xalapa, Veracruz. Tras meses de intercambios concretamos mi ida en un panorama crítico para el Festival al que le habían sido retirado casi todos los apoyos de último momento, primer signo del ambiente gubernamental hostil que rodeaba a sus actividades en esta ciudad en la que decían con tristeza que ya no era posible trabajar. En mayo del 2015 nos encontramos en Xalapa donde - dado que la mayoría de obras y actividades del Festival habían sido canceladas - decidimos realizar un espacio de intercambio y discusión sobre el tema “cuerpo, violencia y resistencia” (junto a los mexicanos Nadia Lartigue, Juan Francisco Maldonado y Esthel Vogrig). .


Me acuerdo que el 15 de mayo tuitie: "mientras tanto co-coordino un taller sobre cuerpo, exposición y violencia y soy yo la que tiene todo para aprender" y luego "todo tranqui pero se ven francotiradores en las azoteas y el ejército anda por la calle con la cara tapada". Ya había estado otras veces en México y en ciudades conocidas por sus altos niveles de violencia como Morelia o San Luis Potosí pero nunca había percibido tanto miedo y tanta vigilancia encubierta como en Xalapa. Nunca había visto a los artistas con los que había ido a trabajar tan consternados o tan precavidos, en otras palabras asustados.
Si durante los espacios de taller del Festival hablamos de violencia policial y formas de resistencia tanto a ella como al poder desde el arte y desde nuestra propia vida, en los almuerzos y noches se hablaba de activismo y organización, de la persecución a periodistas y la censura reinante.


Nadia era una de las más asustadas y pese a que se notaba su personalidad desinhibida, rebelde y explosiva, estaba todo el tiempo advirtiéndonos que no hiciéramos esto o aquello, que nos fijáramos en las personas, que jamás prendiéramos un porro en la calle ni miraramos demasiado fijo a un policía. Nadia era de puertas adentro la cara opuesta; lo daba todo y explotaba de rabia o de alegría según fuera el caso.
Nadia - nacida en Chiapas pero residente de Xalapa durante años - nos contó que en el DF se sentía más segura, que era al fin de cuentas un espacio más neutral donde a diferencia de la provincia, no ibas a desaparecer y aparecer tirado en una zanja.

No solo sus relatos sino documentos atestiguan que ya había sido agredida por la policía en una manifestación de #Yo soy 132 (http://www.alcalorpolitico.com/galerias/base.php?idgaleria=6745#.VcEjkvl_Okq)


Dentro de su preocupación extrema y sus constantes precauciones Nadia igual subestimó el peligro en el que estaba (pero de todas formas qué más hacer que cambiarse de estado y reducir su activismo?). Quizás pensó que el allanamiento de su casa ya había saciado el deseo de asustarla o que aunque estaba fichada tras ser agredida y detenida en manifestaciones, algo así no podría pasarle. No dentro de la “seguridad” del DF y de una colonia como la Narvarte, por otra parte barrio lleno de amigos.
Muchos de sus amigos y familiares relatan que ya no quería dormir sola, que le pedía a amigos o colegas que se quedaran con ella: “Aun recuerdo que después del 2 de octubre que se metieron a tu casa me decías: "Jao vente a quedar a mi casa, no me quiero quedar sola, nos hacemos compañía, te preparo de cenar, nos echamos un cigarro"” cuenta Jair, el fotógrafo del Festival y colega tanto de Nadia como de Ruben.


Salvo que se quiera jugar el papel de ciegos y sordos, sobran evidencias para trazar la línea que va de Javier Duarte - gobernador de Veracruz que ya había detenido a Nadia por portar una pancarta que decía “Javier Duarte te tenemos en la mira” - al apartamento donde.. me sigue costando decirlo..violaron, torturaron y asesinaron a estas 5 personas. Del gobierno de Veracruz al apartamento que era su casa y que tantas veces abrió para amigos o artistas mexicanos e internacionales.

Es evidente que la atrocidad cometida el pasado 31 de julio contra estas 5 personas no es un robo ni un desquite del narco colombiano que de bobera se llevó a otros 4. Se sabe que Espinosa había llegado lejos en la exposición mediática de Duarte cuando publicó su peor perfil en la tapa de la revista Proceso con gorra de policía y toda la expresión de su brutalidad en la mirada. Se sabe que la periodista Regina Martínez de la misma revista habia sido asesinada y que sus compañeros acusaban al gobierno estadual, y también que Espinosa declara haber sido acosado por años en Veracruz (en 2012, aseguró que un representante oficial le dijo que ya no tomara fotos de estudiantes detenidos durante una protesta y le advirtió: "Deja de tomar fotos o acabarás como Regina"). 
(http://www.bbc.com/mundo/noticias/2015/08/150803_mexico_asesinato_espinosa_mujeres_am)


Nadia no era guerrillera ni terrorista ni criminal. Su delito fue no doblegarse ni callarse contra el poder opresor que gobierna México hace años. Movimientos sociales y estudiantiles la recuerdan con un gran PRESENTE en decenas de manifestaciones y campañas, desde las que enfrentaban al  alza al transporte en el 2012, en las protestas contra los fraudulentos comicios electorales, como activista de  “Casa Magnolia” (centro cultural autogestionado). En septiembre del 2012 sus compañeros de militancia universitaria cuentan “fuimos golpeados y tres de nosotros "levantados" torturados y amenazados por policías estatales, obligados a recitar las últimas palabras con una pistola en la nuca --para después de sembrado el terror-- ser abandonados en las cercanías de la central de abastos”. En octubre del mismo año en una protesta en que se recordaba a compañeros asesinados en el 68, allanaron su casa, revisaron tus cosas y se fueron sin robar nada. Cuentan que entonces dijo “Tenía yo tanto desmadre en la casa, que para que yo me diera cuenta de que se habían metido, hasta tuvieron que limpiar y ordenar un poco… sólo por eso lo noté.”. En noviembre fue reprimida por expresar su repudio a Duarte, mujeres policía la arrastraron y golpearon.


Marchó en el 2013 junto a maestros que rechazaban la reforma educativa, manifestación que fue brutalmente reprimida y luego de la cual comenzaron largas esperas frente a la Comisión Estatal de Derechos Humanos. En el 2014 fue parte y movilizó acciones contra la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa y fue nuevamente  amenazada y entonces se convenció de irse al DF.


En una entrevista Nadia declara públicamente que de sucederle algo a ella o a sus amigos y parientes Javier Duarte seria el responsable. (http://rompeviento.tv/RompevientoTv/?p=2031)
Además de un ser luminoso como he conocido pocos en este mundo, Nadia era Antropologa Social, Gestora Cultural, Productora General del Festival Internacional Cuatro X Cuatro/ arte escénico, activista, indignada siempre, rebelde siempre. Nadia era hermana, hija, amiga, luchadora, amante, compañera. No sé Nadia como se festeja en tu país la muerte pero desde acá tenemos que encontrar una forma de hacerle honor a tu fuerza de vida. Creo que un comienzo puede ser exigir hasta que se nos acabe la voz y la tinta, justicia.


Nadia era de estatura pequeña pero gigante en generosidad. Lo fue con cada uno de los que participamos del Festival y la vi siéndolo con colegas y desconocidos. Su muerte no es casual, su muerte es política y necesita ser aclarada y juzgada. Por su persona y por las causas que defendía. Por luchar incluso por quienes hacen de cuenta de que no pasa nada en México.



Publicado en la diaria el 5 de agosto de 2015
http://ladiaria.com.uy/articulo/2015/8/nadia-vera-1983-2015/










martes, 4 de agosto de 2015

Sobre Epifanía de Andrea Arobba en la diaria




Foto: Victoria Rodriguez Denis




Texto completo:



CUERPO MANIFIESTO
Epifanía de Andrea Arobba en el CMD 2015
4 y 5 de agosto. 20.30hs. Zavala Muniz


Esta semana se presenta la nueva creación de Andrea Arobba, que tras realizar en el 2014 Historia Natural de la Belleza se abocó a una nueva experiencia de dirección junto a un grupo diverso y de relativamente jóvenes bailarines aikidokas. El proyecto acaba de ser premiado por el  Programa de Fortalecimiento de las Artes (ADDU-IM), sumándose a la serie de reconocimientos que la enérgica actividad de Arobba ha obtenido en el último tiempo.  Arobba es coreógrafa pero también docente de danza hace más de 20 años. También es estudiante y practicante de Aikido y de otro arte casi marcial: la curadoria de obras de danza, la que ha practicado en el Ciclo MVD (montevideo danza) 2014 y en todas las ediciones de Solos al Mediodía, ambos en el Teatro Solis. En el momento de este estreno, otra de sus obras se encuentra en sus etapas finales, la de GEN, Centro de artes y ciencias que prontamente será inaugurado en Montevideo. Dentro de él, se encuentra la recién creada GEN Danza, compañía independiente ligada a dicho centro y que “nació con la intención de aportar a cada proyecto un lenguaje específico, al margen de modas y criterios en boga, desarrollado en cada caso a partir de una investigación profunda, que expone a los intérpretes a problemas conceptuales que exceden largamente el ámbito de la danza y del arte contemporáneo, y que incluyen temas científicos, sociológicos e históricos. Los elencos de sus obras se renuevan para cada producción, y convocan la participación de artistas que provienen no sólo de la danza contemporánea, sino también del teatro, de la acrobacia o de la danza urbana.”. Tiempos de estreno para Arobba. //// http://www.gen.org.uy/


En Epifanía - título con alusiones místicas religiosas - Arobba cruza las dos prácticas que ha investigado a lo largo de su vida (la danza y el aikido). Partiendo de este arte marcial japonés que busca "la educación de nuestro instinto agresivo" (Mitsugi Saotome) la obra se sostiene sobre una práctica más que sobre una partitura y se pregunta por los modos de “neutralización” enunciados por este arte y sus posibles reutilizaciones y traducciones al plano de composición y experiencia artística. De este modo, a través de una investigación enfocada en la percepción, la obra busca integrar las herramientas del Aikido - desde las filosóficas a las anatómicas-  a la práctica dancística. Por ello la obra es también una exploración de los límites entre lo técnico y lo expresivo en ambas disciplinas, así como sobre la elasticidad (o rigidez) de sus fronteras. La interacción entre prácticas físicas de larga duración, estados emocionales e investigación grupal dan forma a lo que se presentará los días 4 y 5 de Agosto en la Sala Zavala Muniz del Teatro Solis. Debido al paro general esta obra se queda sin su 3er día programado (lo que para una obra de danza - arte que cuenta con “temporadas” exageradamente cortas tras largos meses de trabajo, resulta una tragedia en pequeña escala). Algún culo tiene que sangrar.  


FICHA  

Concepción y dirección:  Andrea Arobba

En escena:  Tania Quintana, Laura Rodriguez, Bruno Brandolino, Sofía Dibarboure, Josefina Díaz, Juan Ibarlucea, Lilén Halty, Adrián Muguruza, Elisa Sassi, Cristofer Hernández, Mariana Torres, Andrea Arobba.

Diseño de luces: Leticia Sckryky

Música original: Pablo Casacuberta.

Fotografía: Victoria Rodriguez.

Productora ejecutiva: Omaira Rodriguez

Epifanía es una producción de GEN, Centro de Artes y Ciencias y cuenta con el apoyo de Adidas, Montevideo Aikido, Facultad de artes y Jexe!.

Andrea Arobba

Creadora, Directora, Curadora, Docente y Bailarina.



GEN


GEN DANZA
http://gen.org.uy/gen-danza/